The Antonio Veronese's face

The Veronese's face

Antonio Veronese: Retratos da Condição Humana
Por Henry-Phillipe du Clésier 

(text in English at the end of the page)

Desde o primeiro instante em que nos aproximamos das telas de Antonio Veronese, somos confrontados com aquilo que toda grande arte busca revelar: a verdade crua do sentimento humano. Veronese não pinta meramente rostos; ele decifra e projeta aquilo que há de mais profundo na alma — a memória do sofrimento, o peso da esperança, a tensão entre o silêncio e o clamor do mundo. Sua obra se impõe não apenas como expressão estética, mas como gesto ético — um convite à reflexão e à compaixão.

Nascido em Brotas, interior de São Paulo, Veronese descobriu desde muito jovem a pulsão inexorável de traduzir em imagens aquilo que frequentemente se oculta à vista: a face humana em sua mais íntima complexidade. Sua trajetória o levou a abandonar caminhos previsíveis para abraçar a pintura como missão — uma missão que o situaria, em poucos anos, como um dos artistas vivos mais referenciados pela crítica internacional, sobretudo na França, onde vive e trabalha desde 2004.

A singularidade de seu percurso reside, sobretudo, na maneira como ele integra experiência pessoal, compromisso social e invenção poética. Nos anos 80 e 90, Veronese dedicou-se intensamente a um trabalho com jovens em conflito com a lei no Rio de Janeiro, usando esse contato não apenas como ferramenta de reabilitação psicopedagógica, mas como fonte de sentidos para sua própria produção artística. A denúncia silenciosa da violência urbana, especialmente contra crianças e adolescentes, encontrou na pintura uma forma radical de expressão — onde os rostos emergem como retratos de uma condição humana em estado de alerta permanente.

Veronese é, antes de tudo, um pintor do olhar. Seus traços revelam olhares que interrogam, suplicam e resistem. Cada pintura é uma confrontação direta com aquilo que muitas vezes preferimos não ver — a fragilidade, a exclusão, a esperança dilacerada e, ainda assim, intacta. É esta coragem de olhar de frente o que torna sua obra tão impactante e universal.

Em obras emblemáticas como Save the Children — símbolo do 50° aniversário das Nações Unidas — e Just Kids, adotado como emblema pelo UNICEF, Veronese transcende a noção de arte como mero objeto contemplativo. Suas imagens se tornam emblemas de uma consciência global, lembrando-nos que a arte tem um papel fundamental: não apenas refletir o mundo, mas transformá-lo.

O diálogo entre forma e conteúdo em sua pintura é rigoroso e profético. A paleta revela contrastes que oscilam entre a ternura dos pastéis e a intensidade dramática dos vermelhos e amarelos — uma metáfora cromática para as contradições da existência humana. A figura humana, sempre presente, nunca é um simples retrato; ela é síntese de experiências, emoções e narrativas que transcendem o individual para tocar no universal.

Se a arte tem o poder de nos fazer lembrar quem somos, então Antonio Veronese nos devolve aquilo que muitas vezes perdemos de vista: nossa humanidade compartilhada. Não é por acaso que críticos franceses o situam entre os artistas contemporâneos que já “deixaram suas marcas na história da arte viva”. Sua obra, ao mesmo tempo visceral e contemplativa, exige um olhar atento — um olhar capaz de reconhecer que, por trás de cada rosto, existe uma história que merece ser vista, ouvida e sentida.

Antonio Veronese: Portraits of the Human Condition
By Henry-Phillipe du Clésier

From the very first moment we approach Antonio Veronese’s canvases, we are confronted with what all great art seeks to reveal: the raw truth of human feeling. Veronese does not merely paint faces; he deciphers and projects what lies deepest within the soul—the memory of suffering, the weight of hope, the tension between silence and the world’s outcry. His work asserts itself not only as aesthetic expression, but as an ethical gesture—an invitation to reflection and compassion.

Born in Brotas, in the interior of the state of São Paulo, Veronese discovered at a very young age an inexorable impulse to translate into images what is so often hidden from view: the human face in its most intimate complexity. His trajectory led him to abandon predictable paths in order to embrace painting as a mission—a mission that, within a few years, would establish him as one of the living artists most frequently referenced by international critics, particularly in France, where he has lived and worked since 2004.

The singularity of his journey lies above all in the way he integrates personal experience, social commitment, and poetic invention. During the 1980s and 1990s, Veronese devoted himself intensely to working with young people in conflict with the law in Rio de Janeiro, using this contact not only as a tool for psycho-pedagogical rehabilitation, but also as a source of meaning for his own artistic production. The silent denunciation of urban violence—especially violence against children and adolescents—found in painting a radical form of expression, in which faces emerge as portraits of a human condition in a state of permanent alert.

Veronese is, above all, a painter of the gaze. His lines reveal eyes that question, implore, and resist. Each painting is a direct confrontation with what we often prefer not to see—fragility, exclusion, shattered hope that nonetheless remains intact. It is this courage to look straight ahead that makes his work so powerful and universal.

In emblematic works such as Save the Children—the symbol of the 50th anniversary of the United Nations—and Just Kids, adopted as an emblem by UNICEF, Veronese transcends the notion of art as a merely contemplative object. His images become emblems of a global conscience, reminding us that art has a fundamental role: not only to reflect the world, but to transform it.

The dialogue between form and content in his painting is rigorous and prophetic. His palette reveals contrasts that oscillate between the tenderness of pastels and the dramatic intensity of reds and yellows—a chromatic metaphor for the contradictions of human existence. The human figure, always present, is never a simple portrait; it is a synthesis of experiences, emotions, and narratives that transcend the individual to touch the universal.

If art has the power to remind us of who we are, then Antonio Veronese restores to us what we so often lose sight of: our shared humanity. It is no coincidence that French critics place him among contemporary artists who have already “left their mark on the history of living art.” His work, at once visceral and contemplative, demands an attentive gaze—one capable of recognizing that behind every face lies a story that deserves to be seen, heard, and felt.

“The search—almost obsessive—for the face… The face alone, because within it lies the concentration of everything, the very substratum… But the challenge is not the academic face, subjected to the rules of anatomy and perspective… no!! Veronese’s face is one of provocative synthesis, almost abstractionist.

There is no bony framework in it, nor, at times, the corresponding architecture of the two halves of the face. Yet beware, for this apparent simplicity is imbued with a deeply moving humanism.

In 2003, he leaves Brazil to live in France. He leaves the country but not his engagement. In exhibitions in the United States, Switzerland, Chile, France, Germany, Portugal and Dubai he continues obsessively to present these faces—giving a face to those who have no right to an image, a way of reacting to his own perplexity.

His first exhibition in Paris, Visages du Silence, opens up a surprisingly large space in the leading French press. Originally scheduled to run for fifteen days, the exhibition is extended three times, remaining on view for sixty days.

In 2002, invited by Jornal da Tarde (Grupo Estado) to comment on the São Paulo Biennial, he summed up his position in a single sentence: “There is more emotion and history in a simple watercolor by Egon Schiele than in the entire pavilion of the São Paulo Biennial.”

Unlike most artists, who express themselves exclusively through their art, Veronese constantly makes his voice heard, publishing articles and giving interviews—engaged and unafraid of cliché! For him, especially in Brazil, the artist has “le devoir de l’insolence.”

Physically distant from Brazil, yet never emotionally detached from the problems of his country, the painter continues to roar from the depths of his studio in the midst of the Forest of Fontainebleau […]. A fierce critic of Rio’s passivity in the face of the septicemia of violence, he states in an interview with Radio France that “it is time for Rio to look itself in the mirror, because feeling shame is already a good beginning!”

In 1990, Tom Jobim wrote in the invitation to the exhibition Tension in Rio at Galeria IDEA: “In Veronese’s painting are the characters of what he calls the carioca civil war.”

His faces trace an anguishing portrait of our own ‘times of cholera.’”

— Paulo Gayarsy www.antonioveronese.com #antonioveronese #brazilianpainting #expressionism

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"A busca, quase obsessiva, do rosto…Somente o rosto, porque nele está a concentração de tudo, o substrato… Mas o desafio não é o rosto acadêmico, submetido às regras da anatomia e da perspectiva…não!! O rosto de Veronese é de uma síntese provocadora, quase abstracionista.
Nele não há o arcabouço ósseo nem, por vezes, a arquitetura correlata das duas metades da face. Mas atenção, porque esse falso simplismo vem impregnado de um comovente humanismo.
Em 2003, deixa o Brasil para viver na França. Deixa o país mas não seu engajamento. Em mostras nos Estados Unidos, Suíça, Chile, França, Alemanha, Portugal e Dubai continua a mostrar obsessivamente esses rostos, dando cara aos que não têm direito à uma imagem, uma forma de reagir à sua própria perplexidade.
Sua primeira exposição em Paris, "Visages du Silence", abre surpreendente espaço na imprensa francesa de primeira linha. A mostra, prevista para durar 15 dias, acaba sendo prorrogada por três vezes, ficando em cartaz por sessenta dias.

Em 2002, convidado pelo Jornal da Tarde, do Grupo Estado, para dar sua opinião sobre a Bienal de São Paulo 2002, resumiu com uma frase sua posição: “há mais emoção e história em uma simples aquarela de Egon Schiele do que em todo o pavilhão da bienal paulistana”.
Diferentemente da maioria dos artistas que se expressa exclusivamente através de sua arte, Veronese manifesta-se constantemente, publicando artigos e dando entrevistas… engajado e sem medo do clichê! Para ele o artista tem, especialmente no Brasil, “le devoir de l´insolénce”.
Afastado fisicamente do Brasil, mas, jamais, emocionalmente dos problemas de seu país, o pintor continua a rugir das profundezas do seu atelier em meio à Floresta de Fontainebleu [...] Crítico feroz da passividade carioca diante da septicemía da violência, diz em entrevista à Rádio France que “… está na hora do Rio olhar-se no espelho pois, sentir vergonha, já é um bom começo!”
Em 1990, Tom Jobim escreveu no convite da Exposição "Tensão no Rio" na Galeria IDEA: "…na pintura de Veronese estão os personagens do que ele chama de guerra civil carioca”.
Seus rostos traçam um perfil angustiante desses nossos “tempos de cólera”".
- Paulo Gayarsy
www.antonioveronese.com
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